PRECIOSIDADES DO SÉCULO XIX

ODOARDO TABACCHI - Hypatia

Mármore branco - 196 cm de altura

A obra-prima de Tabacchi é uma homenagem emocionante à astrônoma, matemática e filósofa clássica, Hypatia de Alexandria (cerca de 350/370 - 415 dC), que era chefe da Escola Neoplatônica de Alexandria. Pouco sobreviveu do trabalho de Hypatia. Ela morreu como resultado de ser pega em uma disputa entre o governador romano Orestes, de Alexandria,  e Cirilo, o zeloso Bispo celestial de Alexandria. Eles a arrastaram para uma igreja e a apedrejaram com azulejos, antes de esquarteja-la, mutilando seu corpo e queimando seus membros. Recitando seu assassinato, o historiador da igreja cristã, Sócrates Scholasticus, concluiu: "Certamente nada pode estar mais longe do espírito do cristianismo do que a concessão de massacres, lutas e transações desse tipo". Seu assassinato foi visto por seus contemporâneos como uma abominação, e posteriormente  como marcando a morte da civilização clássica. Graças a dogmas e paradigmas completamente equivocados, muitos já foram sacrificados durante a história das civilizações. O sofrimento e a dor já serviram de alimento para o mal que habita esse mundo, desde os tempos mais remotos.

O mármore de Tabacchi captura o momento antes da morte agonizante de Hypatia. Atada a uma coluna com uma placa titular inscrita com o nome dela, Hypatia confronta seu destino horrível com expressão chocada e de boca aberta, mas intensa, penetrante, olhando. Despojada de sua roupa, a estátua de Tabacchi encarna a torrencial indignidade da morte do erudito. É um lembrete do destino dos intelectuais da história que se entraram em desacordo com a ideologia brutal e, vista através de uma lente moderna, é, talvez, um símbolo da opressão das mulheres, encarnado em Hypatia, que foi um exemplo raro de uma figura pública feminina, nos difíceis e remotos tempos da antiguidade.

ODOARDO TABACCHI - Hypatia - detalhe

Duas escolas artísticas distintas, do século XIX, são o destaque de uma grande oferta de trabalhos em escultura, que acontecerá nesse dia 13 de dezembro, na Sotheby’s de Londres. Com trabalhos suntuosos, que vão do mármore à argila, estarão lá representantes dignos da coleção de qualquer museu. O Romantismo francês e o Verismo italiano (principais escolas representantes) fecham esse final de ano, com um dos leilões mais esperados dessa temporada.

Escolas completamente antagônicas, se levarmos em consideração que descendem de tradições bem divergentes no movimento artístico, o Romantismo francês tem o pé fincado no Neoclassicismo, e o Verismo italiano, por sua vez, faz toda alusão ao Realismo. Mas, o que se vê nos trabalhos ofertados, lote após lote, é uma coleção de obras-primas, de um bom gosto refinado e que deixa qualquer divergência de movimento estilístico em segundo plano.

HOLME CARDWELL - Diana britânica

Mármore cinza - 187 cm de altura - 1862

HOLME CARDWELL - Diana britânica - detalhe

Considerada a mais nobre das formas, por ser a consubstanciação da maior criação de Deus, a figura humana encontrou na escultura (como definiam os especialistas em arte do século XIX), o veículo mais apropriado para ser representada. Especialmente o nu, executado geralmente em mármore, era visto como uma expressão da própria alma humana. O mármore, do ponto de vista morfológico, era visto como organicamente puro, completamente livre de elementos estranhos, e foi por isso, eleito o veículo ideal para transformar em realidade os gênios mais inventivos dos escultores daquela época.

RICHARD KNECHT - Banho de juventude

Bronze em patina marrom e verde - 190 cm de altura

Concebido em 1914, este trabalho inicial de Richard Knecht mostra o treinamento do escultor na arte do Renascimento, que ele recebeu sob influência de Erwin Kurz e Adolf von Hildebrand na Münchner Kunstakademie, entre 1906 e 1914. A pose contorcida do jovem banhista e o físico muscular parecem ser derivados dos escravos de Michelangelo , combinados com a modernidade da escultura alemã do início do século XX. Um assunto mundano, transformado em uma imagem heróica e idealizada. 

Se os trabalhos estatuários de séculos anteriores (Barroco e Rococó) eram coloridos, para ganhar um aspecto mais decorativo; no século XIX, as esculturas passam a ser executadas no mármore puro, sem interferências finais. O espectador não é distraído por nenhum tipo de informação, que não seja a escultura em si, com toda a carga emotiva do personagem que ela aprisiona. Ali, somente o impacto de um material neutro, formando as delicadas execuções de formas, que fazem realçar luzes e sombras, texturas e volumes, com um grau de execução comparado somente aos trabalhos da Grécia e Roma antigas. Essa espécie de “nova regra” passou a acompanhar inclusive os trabalhos modernistas das primeiras gerações, como Rodin, que adotou o bronze, e faria dele seu veículo ideal.

CESARE LAPINI - Canção de amor

Mármore branco - 99 cm de altura - 1889

FRANÇOIS-RAOUL LARCHE - Banhista - Argila - 45 x 80 cm

JEAN-BAPTISTE CARPEAUX - Um jovem pescador napolitano

Bronze em patina marrom - 87 cm de altura

Exímios executores de seus trabalhos, com uma técnica altamente qualificada, os escultores do século XIX assimilaram essas habilidades das escolas neoclássicas e acadêmicas. Nas academias, não se ensinava apenas o ofício da escultura, desenho e pintura, juntamente com essas habilidades práticas, os aprendizes também se deixavam influenciar por valores estéticos, filosóficos e sociais. Era exatamente graças a esse conteúdo, que não se formavam apenas como meros artesãos, mas como influenciadores de opinião e construtores de uma nova sociedade. Muitas obras, de aspecto inicial meramente ilustrativo, carregavam uma forte dose de mensagem e valores, como o caso da obra Hypatia, ofertada nesse próximo leilão.

GIOVANNI BATTISTA TRABUCCO - Ninfa

Mármore branco - 155 cm de altura - 1878

Este mármore exuberante simboliza o artifício da escultura romântica do norte da Itália e é o trabalho mais importante de Giovanni Battista Trabucco, já oferecido em leilão. Representando um nu feminino com os braços estendidos inclinados para a frente e exibindo suas tranças fluidas, a composição é uma reminiscência da obra-prima de Ambrogio Borghi, Chioma di Berenice , que alcançou um preço recorde de 553 mil libras, quando vendido em 17 de maio de 2011.  A Ninfa de Trabucco mostra a realização técnica do escultor em uma composição extremamente deslumbrante. Como se despertar do sono, a menina sai de um luxuriante leito de rosas, elevando-se, com os braços acima da cabeça em uma pose balletica e seus dedos vagamente entrelaçados. Com a cabeça inclinada languidamente contra seu braço direito, os abundantes cabelos da menina fluem suavemente de seu ombro, enquanto caem em suas costas em ondas vivas e impressionantes. Com seus olhos ocultos por pesadas pálpebras, e seus lábios animados por um sorriso gentil, a Ninfa aparece em um estado sobrenatural, sublime, sublinhando a natureza etérea da composição. A execução virtuosa da escultura desafia de forma semelhante a crença: não só o posicionamento da figura é um feito de engenharia escultural.

A riqueza dessa diversidade de movimentos estilísticos, própria do século XIX, estará em oferta nesse leilão. Peças em mármore, bronze e argila, com influências variadas, mas com um grau de execução e qualidade incomparáveis. Obras inquestionáveis da importância que tiveram e ainda tem na história da arte, quer seja pelos seus executores, quer seja pelas mensagens que deixam levar.

PROSPER D'EPINAY - A s três hotras da vida

Mármore branco - 107 x 84 cm

O escultor Prosper d'Epinay começou seus estudos escultóricos de maneira não convencional, sob a tutela do caricaturista Jean-Pierre Dantan em Paris. Mudou-se para Roma em 1861, para se juntar ao estúdio de Luigi Amici. Seu trabalho foi muito popular na Inglaterra, onde ele exibiu na Royal Academy por muitos anos, e seus seguidores aristocráticos incluíram a Rainha Victoria.

Medindo 217 centímetros de altura, o grupo atual de AS TRÊS HORAS DA VIDA é uma alegoria supremamente elegante para as três horas do dia, que servem de alegorias para os três estágios da vida: juventude, maturidade e idade avançada. Enquanto Manhã e Noite são representadas como nus lânguidos e reclináveis, o Meio-dia dinâmico está segurando uma tocha acesa, seu vestido ondulando. Versões mais conhecidas das Três Horas foram criadas em torno do ano 1882, e geralmente montadas como um relógio.

CHARLES-AUGUSTE FRAIKIN - Alegoria à pintura

Mármore branco em base pintada - 123 cm de altura - 1878

Charles-Auguste Fraikin estudou em Bruxelas, na Académie Royale des Beaux-Arts sob os ensinamentos de Louis Jéhotte e foi um dos mais bem sucedidos escultores em meados do século 19 na Bélgica. Sua obra-prima,  L'Amour Captif , que o impulsionou à fama, ganhou a medalha de ouro na Exposition Nationale des Beaux-Arts, em Bruxelas, em 1845. Posteriormente foi exibida em Londres (1851) e Dublin (1853), e uma cópia foi enviada para o Hermitage em São Petersburgo. Esse trabalho em oferta, uma interpretação ligeiramente frívola de uma Alegoria de Pintura, mostra a afinidade de Fraikin com a escultura Rococó. De aspecto brincalhão, foi exibida por Fraikin para a Exposição Universal de Paris de 1878.

RAFFAELLO ROMANELLI - Isaque

Mármore branco - 105 cm de altura

Raffaello Romanelli começou seu treinamento na Accademia di Belle Arti, em Florença, sob os ensinamentos de Luigi Pampaloni, mas logo foi ensinado pelo escultor neoclássico toscano, Lorenzo Bartolini. Ao buscar o favor de Bartolini, ele se tornou seu colaborador e, após a morte do mestre em 1850, o sucessor de seu estúdio. Além dos mármores de colecionadores, Romanelli executou numerosas comissões importantes para monumentos.

PARA VISUALIZAR TODAS AS OBRAS DO LEILÃO:

http://www.sothebys.com/en/auctions/2017/19th-20th-century-sculpture-l17232.html